大家好，关于素描基础原则及丰富表现形式解析很多朋友都还不太明白，今天小编就来为大家分享关于的知识，希望对各位有所帮助！

从形态学的角度来看，素描是在平面材料上绘制图像的艺术。但就其本质而言，绘画是形式观念的结构基础。本期【锐评】从素描作为现代艺术院校教学基石的探讨开始。它认为素描的概念旨在强调独立于色彩和三维空间的元素。素描是视觉艺术中最具精神性和主观性的元素。从开放意义来看，写生及其存在的媒介是多种多样的，国画的“六法”也与写生的概念相联系。因此，素描是一种包含基本技法和工具的视觉语言，可以说是视觉艺术中必不可少的基本原则。 （吴愚公）

现代美术学院自诞生以来，素描教学就成为其不可动摇的基石。诞生于意大利的第一所西方艺术学院最初名为“The Accademia delle Arti del Disegno”（The Accademia delle Arti del Disegno）。 “绘画是一切造型艺术的基础”这句话源于其创立理念。它的创始人瓦萨里是西方艺术史之父、画家和建筑师。他明确提出“绘画是绘画、雕塑、建筑三大艺术之父”，并确定此为学院的教学宗旨。从那时起，这一宗旨几乎遍及世界上所有的艺术院校。无论办学初衷、办学方式如何随着时代要求而变化，这块基石从未动摇过。

19世纪后半叶出现的现代艺术运动似乎对此产生了影响，但如果我们把目光转向个别艺术家的实践，就不难发现，这并不是基石本身。受到质疑的，却是固化的学术体系。塞尚、梵高、高更、毕加索等现代艺术先驱一生都将素描视为艺术创新的基础。例如，塞尚大胆的艺术创新并不是要否定传统，而是将古典原理重新注入印象派绘画中，使其更加扎实。因此，他像学者一样，画石膏像，临摹拉斐尔等大师的草图，磨练自己的结构思想和表达这一思想的技巧。

梵高明确表示，巴尔杰1866年出版的素描教程终于解决了自己困扰的素描问题。巴斯德宣扬了一种彻底的学术方法。梵高无意间借用了这篇教程，立即如饥似渴地从头到尾读了好几遍。 （图一）毕加索在模仿历代素描大师方面下了很大的功夫。他曾半开玩笑地说，只有当他的素描水平与这些大师相当时，他才能为所欲为，无论他怎么涂鸦，都不会受到质疑。在他看来，写生不仅是艺术创新的基础，也是艺术品质的标杆。毕加索大胆的立体主义实验的基础是谨慎的安格尔式草图。可见，在真正的艺术创新之路上，经典原理与创新实验并不冲突，通用写生规则与个性化创作并不矛盾。

图一（左）梵高，男性坐像，铅笔素描，43.726.9厘米，1890年，荷兰阿姆斯特丹梵高博物馆藏； （右）Bulger 《素描教程》 内页

其实，如果我们简单考察一下写生的本质，就会发现这些观点与写生本身并无关系。 “草图”一词是从意大利语Disegno 和英语Drawing 翻译过来的。从形态学的角度来看，素描是在平面材料上绘制图像的艺术。但就其本质而言，绘画是形式观念的结构基础。换句话说，它是思想视觉表达的基础。因此，它不仅是造型技术训练的基础，更重要的是创造性思维培养的基础。正是这个基础最终确立了艺术家一生的审美品格和个人风格。如果我们比较一下大师的绘画或雕塑，就可以清楚地看到这一点。

素描的概念旨在强调独立于色彩和三维空间的元素，即作品中在没有色彩和三维空间的情况下仍保持清晰有效的部分。因此，该术语不是指单色描绘，也不是指孤立的组件，而是指具有有机结构特性。无论是纯粹的单色画还是彩色画，这种结构要素都存在于其形状和笔触中，中国画的笔触也是如此。例如，德加的粉彩画通常被归类为素描，其形状是根据其概念结构来定义的。这种概念结构在自然物体中根本不存在。它是人造草图的精神创造。可见，素描是一种象征性的视觉艺术形式，是视觉艺术中最具精神性和主观性的元素。自然物中没有线条、笔触，但构成写生核心要素的点、线、面都是从自然物中主观演绎出来的。它们之间的关系是素描的原始素材；素描的基本组成部分是线条和笔触。关系——也是由这两者组成的。因此，写生是关于关系的，它的线条和笔触与艺术家的经验和自然物体形成象征关系，而不是直接描绘物体以求相似。

正是因为素描的结构观念和灵性，从15世纪意大利文艺复兴时期到19世纪上半叶，艺术家们都非常重视素描，制定了系统的素描教学体系，在理论和实践上都将素描置于色彩之上。并练习。并以此作为衡量画作品质与高贵的标尺。

如果我们回顾一下“素描”概念的起源，我们就会摆脱素描是西方绘画对象的偏见。当瓦萨里等欧洲理论家提出素描体系的时候，正是欧洲风格主义艺术兴起的日子。众所周知，这种文艺复兴后期新兴艺术风格的特点正是基于扭曲、拉长的素描形式和戏剧性的夸张动态。其动态的线条、块体和阴影都是为了实现草图概念（disegno）的物理介质质感和创意设计的灵性。 （图2）瓦萨里不断重申，素描不仅是视觉艺术之父，也是“所有创作过程的动力原理”，因此蕴含着“创作的概念和灵感的火花”。不久之后，祖卡罗将柏拉图的形而上学思想与艺术家的技巧结合起来，将这幅画作为艺术创作中神圣灵感的证据，成为Segno Di Dio。西方素描体系是基于其结构观念和精神性而发展起来的。

图2 蓬托尔莫，《年轻人人体研究》，纸本素描，38.924厘米，1518年，美国盖蒂博物馆藏

结构观念的变化必然导致写生方法的多重变化。与其他事物一样，“草图”没有单一的固定定义和技术。其结构概念的表达需要多样化的草图。在所有文明中，视觉艺术都是线性起步的，并逐渐发展出自己不同的艺术原则。这些不同的原则都基于视觉艺术的共性提出了训练和创作的基本要求。我国传统的“六法”中，“应物象形”、“按类施色”要求描绘以自然形态为基础，而“操作姿势”是结构概念，“生动神韵” ”是艺术效果的要求。这些规则并非中国画所独有，而是所有视觉艺术都必须遵循的。 “用笔骨法”是其结构理念的核心，它比西方绘画中的笔触更加强了创作结构中线条和墨色的独立作用。 “传与仿”也与写生学习是相通的、直接相关的：学习前人的技法，遵循自然的教诲，将两者结合起来，了解绘画的基本规律。欧洲经典素描教材提出的学习步骤和要求与“六法”精神是相辅相成的。因此，西方许多重要的素描专着都会引用中国画作为范本。从素描作为一种观念结构而不是一种描绘媒介来看，无论是宋代的学院绘画，还是元明清的文人画，都是这方面的独特例子。

绘画是多种多样的，它的媒介也是多种多样的。不同的媒体必须有自己独特的潜力和局限性。一旦明白了这一点，我们就不会简单地将不同的概念与媒体对立起来。吸收外部因素并不会阻碍自己的传统。相反，如果把握得当，反而有助于强化自己的特色。日本浮世绘与欧洲的造型体系完全不同，但法国印象派画家将其视为观念和技法的参考，从而刷新和强化了欧洲油画语言的自由表达。这种借鉴和融合是艺术发展的主要动力。中国绘画史也不例外。如果把中国画目前的问题归咎于西方写生，无疑是在推卸自己的责任。明末清初以来，中国画家开始接触西方艺术。试想，如果没有这个背景，吴历、任伯年、虚谷、傅抱石、李可染，更不用说蒋兆和、林风眠、徐悲鸿等人，会画出自己综合的中国画吗？众所周知，齐白石很羡慕徐悲鸿的写生，想拜他为师。他觉得西方的素描技巧对提高自己的绘画水平大有裨益。如果从上述写生的开放意义来看，齐白石的草虫画，尤其是虾画，堪称写生杰作。

总之，素描不是单一的形式，而是视觉艺术中不可或缺的基本原理。它是一种包括基本技术和工具的视觉语言。语言有基本的语法结构，词语是表达的基本工具。如果不掌握语法规则和词汇，写作就不可能完成。对于学习素描也是如此。因此，欧洲第一本绘画技法书一开始就明确规定学徒要“从素描开始”。米开朗基罗还不断告诫他的学生：“画草图！画草图！画草图要有毅力和耐心！”米开朗基罗深知，如果没有素描的基础，无论他的个性多么强烈、多么独特，他都无法表达出来，更谈不上他的艺术个性。自由表达。如上所述，现代艺术大师的经验告诉我们，表达艺术个性的能力离不开经典的素描训练，因为素描结合了媒介技巧和精神观念。

曹益强中国美术学院教授